音楽を食べた

個人的メモメモメモ

ハッピーフライト

 

 

2008年、

ハッピーフライト」という映画が公開された。

矢口史靖 監督脚本、

キャスト陣は、田辺誠一 綾瀬はるかをはじめとした豪華な顔ぶれである。

 

タイトルから分かるように、

飛行機や空港を舞台にしたストーリーだ。

 

先日、この「ハッピーフライト」を久しぶりに観た。

久し振りにというか、

もう20回は観ていると思う。

 

なぜか定期的に観たくなる映画だ。

 

 

 

映画の内容はもちろんであるが、

それ以上にこの映画に華を添えているのは、

この曲だと私は思う。

 

 

Come Fly With Me

Come Fly With Me

  • provided courtesy of iTunes

music.apple.com

 

 

誰しもが何処かで聞いたことがあるのではないか。

フランク・シナトラの有名曲だ。

この曲をリードに、

全12曲を含むアルバム「Come Fly With Me」が発売されたのは、1958年1月のこと。

 

この曲について、

少し、旅客機の歴史を交えて記したい。

 

 

今でこそ、当たり前のように空を飛び、

それなりの料金を支払えば乗ることができ、

事故に遭う確率は約10万分の1だとも言われる、

安全な乗り物、飛行機。

 

しかし、

 

1980年代といえば、

これまで命がけの乗り物であった飛行機が、

ようやく長距離国際線飛行を確立させ、

旅客機の大衆化が始まろうとする、

飛行機の成長途中の時代。

 

それに加え

 

一機に搭乗できる乗客数はやっと100-200人、

料金も高く、

現在より墜落事故なども多く発生している。

一般市民にはまだ容易に手が出せる乗り物ではないのが実際のところだっただろう。

 

 

そんな飛行機の発展途中の時代に、

フランク•シナトラは

「Come fly with me
Let's fly, let's fly away.」〜♪と歌うのである。

 

 

「鳥たちを越えることができる」という歌詞には

なんだかロマンを感じるし、

「ハネムーンには空の旅がベストだ」なんて言われたら世界を旅したくなる。

 

まさに、当時のアメリカの人々に

空への夢を与えたのではないだろうか。

 

この曲を含んだアルバムは、

全米チャート1位に輝くことになる。

 

 

 

 

近い将来、

宇宙飛行士以外の人が月に行けるようになったら、

「さあ月へ行こうよ!」的な曲を出すアーティストが出てくるということかもしれない。

 

 

 

 

飛行機に乗って空にいる優雅さというより

これから大空へ飛ぶんだという高揚感。

 

搭乗する便のチケット、

様々な言語が飛び交う空港内、

大勢の人が行き来するロビー、

スーツケースを引きずる音、

ずらっと並ぶ飛び立つ前の飛行機、

搭乗口や便名が表示された大きなパネル、

搭乗時間を知らせるアナウンス、

グランドスタッフ、パイロットやCA、整備士、

 

非日常的。

 

そんな空間でこの曲を聴いていたい、と

私は強く感じる。

 

飛行機に乗る機会などあまり多くはないが、

次もきっと空港ではこの曲を聴こう。

 

松田優作はタバコの跡

 

 

上野森美術館にて行われている、

立木義浩さんの写真展 "ー時代ー" を観た。

 

www.ueno-mori.org

 

様々な写真が展示されているが、大きく3つほどに分けられるだろうか。

有名人や芸能人を中心としたポートレート

日本のみならず、世界の日常に触れるスナップ、

そして、スクエアという異なる雰囲気のデジ六、である。

そのなかから私は今回2つの展示に触れたい。

 

 

率直にいうと、私はポートレートがあまり好きではない。

特に、家族写真や芸能人の宣材写真など、

写真集的な''ザ・ポートレート''的な写真。

カメラマンの指示によって、ポーズを取った写真を好めない。

 

大きな理由があるわけではないが、カメラマンが作り出した必然よりも、

被写体や環境による偶然性のある写真の方が個人的に魅力的だと感じるからだ。

 

今回展示されていた芸能人や有名人のポートレートも、

”写真”を見るというより、

そこに映った芸能人や有名人の豪華さに目が行ってしまった。

というのが正直なところである。

 

が、

私の目を奪った一枚があった。

 

勝さんと玉緒さんの夫婦の写真である。

勝さんが玉緒さんの肩を抱きにこやかに笑顔を見せる写真は、一見他のポートレートと同じように仲の良い夫婦の記念写真にすぎない。

しかしこの写真、夫婦の背景にはスタジオの機材らしき照明が写り込んでいたり、背景の剥がれ具合が写っていたりと、

撮ろう!と指示をして撮ったとは思えないのである。

 

凛としている中に、どこか和やかさや柔らかさが感じられるのだ。

”こんなことを表現しよう” ”この人のここを見せよう”と細かく考えられたものではなく偶然撮影されたかのような、照れ臭さい表情も見える。

 

玉緒さん勝さん夫婦と、立木さんとの関係を調べていると、ネットである記事を発見した。

 

平山祐介が聞く「立木義浩さん、今まで撮った一番印象的だった人は誰?」|OCEANS オーシャンズウェブ

 

ある雑誌のインタビューで、一番印象的だった人は誰か?という質問に対し、勝さん玉緒さん夫婦の写真だと答えているのだ。

 

この記事曰く、

やはりこの写真は公式の撮影でのショットではなく、オフショットなのだという。

勝さんの撮影現場にたまたま来ていた玉緒さんを誘って撮影した夫婦写真らしい。

であるからこその、自然な距離感に愛を感じられる。

 

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もう1点は、

二階に展示されていたスナップ『マイアメリカ』の写真である。

天井近くまでずらっと縦に様々な大きさで並べられた写真には圧倒される。

 

1980年ごろ(約40年前)のアメリカの光と闇、建物、人、風俗、エロス、

そしてまさにその「時代」を表すものなのだ。

 

そこには、アメリカの自由で不自由な現実が写されている。

 

人々は、笑い、踊り、歌い、喜び、輝く。

そのすぐ側には、恐怖と闇、束縛があるということだ。

 

何気無い平凡な生活を捉えたものの写真の隣には

いくつかの銃を写した写真が展示され、

 

人々が踊っているような明るい写真のそばには

KKKによる黒人差別の写真が展示され、

 

輝かしいブロードウェイのような街や人の写真のそばには

迷彩柄の軍服姿の男たちの写真が展示されている。

 

それから40年という年月が流れた。

形は変われど、現在も同じように「時代」は流れているだろう。

 

「私たちが普段目にする世界は1面にしかすぎない。」

そう言われたような気持ちになった。

 

 

 

スナップ写真は、

ただ日常にあるちょっとした出来事を収めるものだと思っていた。

 

そこにある2面性を、普段は見えない裏側を

日常から見つけ出せたら、面白い。

 

1面だった世界が、身の回りが

どんどん広がっていくような気がするのだ。

 

 

曲メモメモ

 

曲メモ。

独断偏見。自分勝手メモ。 

 

sp.wmg.jp

神僕からニューアルバムのニューアルバム。

 

 

1.オーバータイムオーバーラン

youtu.be

 

曲構成から。

A→B→サビ→2A→2B→2サビ→(Cメロ)ラスサビ

という一般的に多い構成ではなく、

A→サビ→2A→2B→2サビ→ラスサビの展開。

(こういう時にサビをBメロとする?考え方もあるらしい)

個人的に、サビが頭よりに来る曲はアッパーチューンが多い気がする。

この曲もアップテンポだし、当てはまっているのではないかと。

 

鋭いドラムとギターの掛け合いから始まる。

Aメロからはギターの細かい動きと、4つ打ちキックが心地いい。

サビは2拍のアーフタクトで入るが、

楽器隊がいなくなるその2拍が「ザ・サビ」という感じがして好き。

そして神僕の曲の中では、サビのキーもやや低めかと。

でも、ハモリでバランスが取れているのでちゃんと厚みはある印象。

歌詞に関しては、ポジティブな言い回しが多いような気がする。

アルバム一番手としてぴったりだなぁと思う。(作ったのは最後の方だとインタビューで答えていたが。)

 

 2 . 20XX

www.youtube.com

 

曲構成は、

A→B→1サビ→2A→2B→2サビ→C

展開したまま終わる構成になるが、

Cの最後のフレーズはサビと同じなので、締まりはとても良い。

曲始まりは、スローテンポ4小節のギター。

2拍のシンバルとドラムから一気にテンポアップ。

ライブなんかで、スローテンポの部分をアレンジからの2拍シンバルで曲スタート!

なんて流れにしたら物凄くかっこいいんだろうなあ。とか色々想像が膨らんだ。

曲全体、特にサビでは音の高低の動きがすごい。

下がった音でもビブラートをかけるところはかける。

歌い上げるの流石だなあ、という感じ。

 

曲タイトルやMVの背景からもわかるように、

テーマのようなものは時間や時代なのだろう。

1番での”モデラートなペースで廻る世界”に対して、

2番では”アンダンテなテンポじゃ乗り損なう”と歌われている。

つまり世界と自分とのギャップ。

他にも少し皮肉を交えた歌詞を含め、

むしゃらに生き、もがき苦しむような不器用さもうかがえる。

まさに、現代の若者がぶつかって行くこの社会を、どう生きてやるか?ということか。

よく考えさせられる歌詞である。(歌詞解釈をしている方のサイトを見ると色々な解釈があり面白い。)

 

DTM初心者日記

 

 

https://note.mu/shumfrn_11/n/n0fb07cd32970

 

DTM初心者日記第一弾をnoteに書いた。

 

 

Cubase pro10

Komplete Kontrol M32

Steinberg UR242

初音ミク vx4 バンドル版

 

これからたくさんたくさん使っていこうと思っている。

 

 

 

 

 

写真の起源 を見てのメモ

 

 

ゴールデンウィーク中に東京都写真美術館で行われていた写真展

戦禍の記憶」「ヒューマンスプリング」「写真の起源 英国」の3点を見学した。

 

その中から今回は「写真の起源 英国」について記したい。

 

 

 写真術の研究は18世紀ごろから始まり、

1839年フランスのダゲールによってダゲレオタイプが発表される事で写真発明の出発点と認識されている。

 

そんなフランスと並んで研究が盛んに行われ、写真の発展をリードしてきたイギリスから、タルボットを始めとするまさに「写真の起源」と言うべき貴重な写真が展示される。

 

 

軽く写真史を振り返ってから改めて見学した。

大きく分けて、私が気になったポイントは3点。

 

まず1点は写真技術の発達

2点目に、写真そのものが持つ意味の変化

3点目が資料や作品の管理、だ。

 

 

 写真技術に関しては、

タルボットの研究の始まりである、

カメラルシダで描いたスケッチや研究の日記から、

大判カメラを用いた単塩紙や鶏卵紙への細密な描写に至るまで、

歴史の移り変わりが作品の流れを通じてよく理解ができる。

 

 

タルボットによる、

カメラルシダを用いた湖のスケッチは、

正直、美しい、うまい、といった感想は持てない。

だがそれは、当時、目の前の景色をそのまま写し取り、紙などに留めておくという事がどれだけ困難であったかを示すとも言えるだろう。

 

また、ガラスの原板なども展示されており、現物を間近で見ることで、原板の大きさを改めて感じる事が出来た。1枚1枚の重みや存在感が、そこにはあった。

 

 

2点目にあげた、

写真そのものが持つ意味の変化について。

上に記したように、

写真研究の始まりは技術的関心からであるが、

写真そのものの意味は絵画的、芸術的意味も帯びていくようになり、

写真を科学とするか芸術とするかという論争が繰り返されていく。

 

第2章からは、

ロンドン万国博覧会の時期を中心となる。

そして作品からはまさに科学技術としての写真と、

ピクトリアルで芸術としての写真がぶつかり合い、また、双方が交差した事がわかる。

 

 

そこで特に印象に残っているのが赤ずきんと題された写真である。

 

これは、初めて写真としてのセクションが確立した第2回目の博覧会に出品されたものだ。

赤ずきんがおばあさんに扮した狼に会う場面で、

“つくられた”感のある独特な雰囲気を感じられ、

決して科学的な作品という印象は受けない

そのいい意味の“つくられた”感、

つまり、フィクションである絵画的で芸術的側面を写真で表すという、

現代に通じる写真創作が確立してきたと言える。

 

 

3点目の資料や作品の管理に関しては、

作品自体の感想とは少し離れるが、気になったことの1つである。

展示室に入る前に、警備員2名による手荷物検査が実施されていた。

 

貴重な資料や作品を展示しているとはいえ、

私にとって写真展で手荷物検査を受けるのは初めてであったため、作品が何よりも第一優先で管理が徹底されている事に少し驚いた。

 

 

また、会場が薄暗いのはもちろん、ガラスの原板や紙媒体の資料などが展示されているガラスケースもやはり温度湿度管理が徹底されており、

全てのケースの温度は19.1℃から19.7℃の間で管理されていた。

また、感光してしまうのを防ぐためか黒っぽい布がかけられている作品もあり、

見る際に自分でめくる仕組みだった。

 

パンフレットの紹介にもあるように、日本で未公開の作品が多く、

貴重な作品ばかりだという事が身をもって感じる事ができた。

 

 

 

 

 

今回、この写真展を見学する中で写真の多くの役割、

そしてその変化を感じる事ができた。

 

私たちが今当たり前に使い、楽しんでいる写真。

その研究の始まりを自分の目で感じる事で、

困難でありながらもどれだけ偉大な発明であるのかを知った。

 

最近では、デジタルカメラはもちろん、スマートフォンのカメラの性能もかなり良くなり更にはアプリケーションなどでの細部に渡る加工が可能だ。

 

また「写ルンです」などのフィルムで写真を撮ったり、粒子の荒い独特の色味も流行っている。

 

まさにこれは、過去の発明家や化学者、写真家たちが築き挙げてきた写真創作、

つまり、科学技術として、記録の手段として、更には絵画のような芸術作品として、様々な表現ができる写真の現在の形なのかもしれない。

 

個人的曲の感想のメモメモ

 

 

神様、僕は気づいてしまった

52Hz

 

 


まずPVにも出てくる「クジラ」について。

周波数52Hzで鳴くクジラ、通称「52Hzのクジラ」というのは、あるクジラの種であるらしい。シロナガスクジラナガスクジラなどの他のクジラの鳴き声の周波数が10~30HZなのに対して、

このクジラの周波数は52Hz。

 

他のクジラの周波数と比べて、圧倒的に高い周波数。

このメカニズムは解明されておらず、他の仲間とのコミュニケーションが取れないことから「世界1孤独なクジラ」とも言われる。

 WikipediaYouTubeで調べるとその音を聞くことができる。

 


この話を少し知っておくとより歌詞を深く感じられるかもしれない。

そんな、52Hzの鯨をモチーフにした楽曲。

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武道館、昭和、平成、

 

 

日本武道館

1964年(昭和39年)の東京オリンピック、柔道競技の会場として建設された武道場だ。

 

八角形という形は武道精神の象徴や方角との関係、

そして法隆寺の夢殿を模したともされている。

正に、武道館はその名の通り武道を行う聖地として誕生したのである。

 

 

そんな武道の館がロックの聖地などと呼ばれる事になるとは誰が思っただろうか。

 

 

しかし建設から早くも2年後の6月、THE BEATLESが武道館で初めての日本公演を行ったのは有名な話だ。

(厳密に言うと初めての武道館ステージ上での公演は『THE BEATLES』の前座を務めた、尾藤イサオ内田裕也ザ・ドリフターズらであるが。)

 

THE BEATLES』の日本公演は、屋内である事やチケットの売り上げを踏まえた収容人数の関係から、日本武道館に白羽の矢が立った。

この頃は、まだ多くのアリーナが設立されておらず、1万人が収容できる大きな会場は武道館だけだったのだ。

 

武道の聖地をコンサート会場に利用するという事は、批判も一定数あったという。

更には、あくまでも武道を行うために建てられたものであるため、音響性能面などは決して良いとは言えない環境である。

 

が、

世界的に認められ、日本でも絶大な人気であった彼らのコンサートの成功が、

武道館をライブ会場として使用するという新たな道筋になったのだ。

 

改めて、

日本公演を武道館で行なった『THE BEATLES』、そしてよく決断した(決断せざるおえなかったのか笑)コンサート関係者に感謝である。

 

 

THE BEATLES』がコンサートを行った場所として、日本だけでなく世界に名が知れ渡った武道館。

その後、レッドツェッペリンやディープパープル、クイーンなどの海外アーティストも日本での公演を武道館で行うようになっていく。

 

ちなみに日本人で始めてライブを行ったのは(THE BEATLESの前座を除いて) ザ・タイガースだ。

 

 

そんな武道館の誕生から約25年。昭和天皇崩御により、1つの時代が終わりを告げる。

 

この時、爆風スランプが2度目の武道館公演3daysを行う予定であったが、初日と2日目を自粛する事を決め3日目(1989年1月9日)のみの公演を行った。

 

これが平成最初の武道館ライブとなった。

 

 

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